Konzertmagie

Die Kraft der Erleuchtung

Im Zeitungswesen gibt es ein Sprichwort, dass ein Bild mehr wert ist als tausend Worte. Egal wie sehr man sich bemüht, eine Person oder eine Szene zu beschreiben, die Darstellung kann niemals an die Genauigkeit einer Kamera heranreichen. Im Fall eines Musikers könnte man sagen, dass eine Minute aufgezeichneter Klang mehr wert ist als jede Anzahl von Worten. Wie sonst könnte man den Ton eines Geigers jemandem vermitteln, der ihn noch nie gehört hat? Und wenn man Filmaufnahmen von ihm hat, wird die Aufgabe noch leichter. Film kann zwar nicht ganz den Nervenkitzel ersetzen, ein Konzert zu sehen und zu hören, aber er kann ein vernünftiger Ersatz sein. Seltsamerweise waren Filmemacher langsam darin, die Möglichkeiten zu erkennen, Live-Musik auf Zelluloid festzuhalten. Viele große Musiker der 1930er Jahre hinterließen uns nur sehr wenig oder gar keinen Film von ihrem Spiel, obwohl die Mittel existierten, exzellente Dokumentarstudien zu erstellen.

Als Yehudi Menuhin kurz nach dem Zweiten Weltkrieg vom Hollywood-Produzenten Paul Gordon angesprochen wurde, erkannte der Geiger sofort das Potenzial, einige seiner Aufführungen für die Nachwelt auf Film festzuhalten. Er war so begeistert, dass es scheint, als habe er für Gordons Concert Film Corporation für sehr wenig Geld gearbeitet, in der Hoffnung, dass der Film Gewinn macht und ihm Tantiemen zahlt, wie er sie für seine Tonaufnahmen erhielt. Sein Vater, ein viel besserer Geschäftsmann, war entsetzt, besonders da er das Gefühl hatte, Yehudi beschmutze sich, wenn er irgendetwas mit Hollywood zu tun habe. Der Film mit dem Titel Concert Magic, in dem neben Menuhin auch andere Künstler zu sehen sind, wurde in den letzten Monaten des Jahres 1947 in dem Studio gedreht, das früher vom Komiker Charles Chaplin genutzt wurde. Etwa ein Jahr später veröffentlicht, wurde er einigermaßen gut aufgenommen, konnte sich aber nie durchsetzen. Das Fernsehen begann gerade, dieses Terrain zu übernehmen, und als Medium war es besser in der Lage, musikalische Aufführungen mit Unmittelbarkeit und Flair zu präsentieren. Concert Magic wurde viele Jahre lang praktisch nicht gesehen.

Dennoch haben Paul Gordon und sein Namensvetter Paul Ivano, der Kameramann des Projekts, hervorragende Arbeit geleistet, kurze Musikstücke auf direkte, unprätentiöse Weise zu präsentieren. Der Film ist sehr sehenswert, auch wenn die anderen Solisten nicht Menuhins Klasse erreichen: Der polnische Pianist Jakob Gimpel, einer von drei Brüdern, die einst als Trio spielten, ist etwas sachlich in der Art, wie er seine Soli vorträgt; und die US-Altistin Eula Beal lässt nicht vermuten, dass sie ein bekannter Name werden würde (was sie auch nicht wurde). Es gibt die übliche Quote an Hollywoodismen: Die Art, wie die Stücke eingeführt werden, scheint eher darauf ausgelegt zu sein, ein Massenpublikum abzuschrecken, statt es für klassische Musik zu gewinnen, und alberne Fehler schleichen sich ein. Der Pianist Adolph Baller – dessen Finger von den Nazis gebrochen wurden, der sich aber gut genug erholte, um Menuhins Begleiter für einige Jahre zu sein – soll das Bach-Präludium spielen, das eigentlich für Solo-Violine ist.

Der Film wird also vor allem wegen Menuhins Beiträgen gesehen, und diese sind ausgezeichnet. Ein Orchester, vermutlich aus Westküstenmusikern zusammengestellt, die in den Filmstudios arbeiteten, begleitet einige Stücke, und der Dirigent ist der Ungar Antal Dorati, der über die Jahre häufig mit Menuhin zusammenarbeitete. Bachs berühmtes Air wird vom Geiger mit großer Herzlichkeit vorgetragen, der auch ein obligates Begleitstück für Eula Beal spielt, während sie eine Arie aus der Matthäus-Passion auf Englisch singt. Menuhin und Baller beginnen passend mit dem ersten Satz von Beethovens erster Violinsonate. Dann folgt das berühmte Präludium aus Bachs Dritter Partita, gefolgt von einem der populärsten virtuosen Stücke des Geiger-Komponisten Henryk Wieniawski, dem Scherzo-Tarantelle.

Nach der Bach-Arie hören wir eines der populärsten Stücke des großen italienischen Geigers Paganini, sein Moto perpetuo. Menuhin kehrt zurück mit Locatellis Caprice Nr. 23, Il Labirinto Armonico, ursprünglich für Solo-Violine, hier aber mit einer Begleitung, die von Mendelssohns Geigerkollegen Ferdinand David geschrieben wurde. Dann folgt das Bach-Air und anschließend das Caprice Nr. 24 von Paganini, ein Solo-Violinstück, das viele andere Komponisten inspiriert hat: Es ist in Fritz Kreisler’s Version mit Klavier zu hören. Schließlich spielt Menuhin Wilhelmjs Arrangement für Violine und Klavier von Schuberts Lied Ave Maria.

Alle Violinstücke werden denen vertraut sein, die mit Menuhins Tonaufnahmen vertraut sind, aber es ist von unschätzbarem Wert, sehen zu können, wie er sie spielt. Zur Zeit der Filmaufnahme stand der Geiger an einem Wendepunkt in seinem Leben: Seine erste Ehe war gescheitert, er begann eine zweite Ehe mit der Frau, die den Rest seines Lebens mit ihm teilen sollte, Diana Gould, und seine Karriere fand nach der katastrophalen Unterbrechung durch den Krieg wieder ihr Gleichgewicht. Während der Feindseligkeiten flog Menuhin hierhin und dorthin, meist in spartanischen Militärflugzeugen, gab Konzerte für die Truppen oder erfreute einfach die Menschen an der Heimatfront mit seiner Musik (seine Besuche in Großbritannien wurden sehnsüchtig erwartet). Ende 1947 war er Anfang 30 und näherte sich seinem Höhepunkt als Musiker. In seinen Wunderkind-Tagen der 1930er Jahre hatte er Menschen weltweit mit seinem überaus natürlichen Spiel verzaubert, aber noch nicht genug Lebenserfahrung gesammelt, um die Tiefen der Interpretation auszuloten. Nun, mit seinem markanten Profil, tiefem ernsthaftem Engagement und warmer Tongebung, war er bereit, eine neue Generation mit seinem musikalischen Können zu gewinnen. Es ist faszinierend, ihn an diesem Punkt auf Film zu erleben, auch wenn die Musik nur aus kurzen Stücken besteht. Menuhin spielte nie Belangloses und verlieh selbst den populären Stücken in seinem Repertoire seine Kraft der Erleuchtung.