장엄한 교향곡들
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심포니의 세계로 깊이 들어가 봅시다—시대를 초월해 결코 유행을 타지 않는 장르로, 첫 번째 심포니가 악보에 기록된 지 200년이 넘도록 우리가 계속해서 듣고, 연주하며, 작곡하는 음악입니다! 여러분이 분명히 좋아할 몇 가지 덜 알려진 보석들을 포함한 심포니 음악의 걸작들을 특별히 엄선해 준비했습니다.
교향곡 형식
선정을 소개하기 전에, 교향곡의 특징—그 규범과 변주—을 세 가지 관점에서 살펴보고자 합니다: 먼저 교향곡 형식에 대해 논의하고, 그 다음으로 역사적으로 크게 변화해 온 교향곡의 본질을 다룬 후, 마지막으로 교향곡을 중심으로 한 장르들을 살펴보겠습니다. 우선, 간단한 역사적 개요와 정의부터 시작하겠습니다: 고전주의 시대 이후로 교향곡은 네 악장으로 구성되어 왔습니다. 각 악장은 템포, 박자, 조성, 다양한 선율의 구성 등 일련의 규칙에 의해 지배됩니다. 장르를 더 잘 이해하기 위해 그 기원으로 돌아가 봅시다. 교향곡은 이탈리아 서곡(오페라를 소개하기 위해 작곡된 곡)에서 발전했으며, 일반적으로 느린 악장을 두 개의 빠른 악장이 감싸는 형태였습니다. 몇몇 작품이 이 형식을 엄격히 따랐는데(특히 하이든과 모차르트의 초기 교향곡들), 이후 피날레 전에 빠르고 춤추는 악장을 추가하는 것이 전통이 되면서 고전주의 교향곡이 탄생했습니다! 모차르트의 마지막 세 교향곡과 베토벤의 교향곡 5번이 이 장르의 완벽한 예입니다. 이러한 엄격해 보이는 규칙에도 불구하고 작곡가들은 악장을 추가하거나 순서를 바꾸고, 심지어 작은 놀라움을 삽입하는 등(하이든의 교향곡 94번 “놀람”이 떠오릅니다) 기술적이고 예술적인 창의성을 불어넣었습니다. 베토벤은 또한 그의 교향곡 7번에서 미뉴에트를 스케르초로 대체하기도 했습니다(유럽 챔버 오케스트라와 줄리안 라흘린이 참여한 이 숭고한 콘서트에서 확인할 수 있습니다). 이 시점부터 교향곡 형식은 크게 변하지 않았으며(몇몇 드문 훌륭한 예외를 제외하고), 무엇보다도 오케스트라 규모의 확대가 교향곡에 더 깊이를 부여했습니다.