Film- und Fernsehmusik

Sogar Filme aus der „Stummfilmzeit“ nutzten oft Musik mit einem Live-Orchester: Was wäre die ikonische Treppenszene in „Panzerkreuzer Potemkin“ ohne die mitreißende musikalische Begleitung des Komponisten Edmund Meisel? Einige Komponisten widmeten ihre Karriere vollständig der Filmmusik, und während das Kino als Medium weiter wuchs, integrierten immer mehr Filmemacher bestehende Werke aus dem klassischen Kanon.

Von klassischen Musikstücken bis hin zu völlig originellen Partituren hat die Verwendung von klassischer und originaler Musik im Kino einige unvergessliche Ergebnisse hervorgebracht.

Musik und Film: ein perfektes Rezept fürs Erzählen

Wie wissen wir sofort, dass der große weiße Hai in „Der weiße Hai“ zum Angriff ansetzt, bevor wir ihn sehen? Warum können wir nicht anders, als zu lächeln, wenn wir an Frodo und Samweis im Auenland denken? Warum kommen uns die Tränen, wenn Simba seinen Vater Mufasa in den Wolken sieht?

Die Antwort ist einfach: Musik.

Sogar das, was wir als „Stummfilme“ bezeichnen, ist nicht völlig still; frühe Filme nutzten weiterhin originale Musik und Partituren, um die Geschichte zu begleiten. Ohne ein einziges gesprochenes Wort versetzen uns Filme wie „Metropolis“, „Die Passion der Jungfrau von Orléans“ und „Das Cabinet des Dr. Caligari“ in die Vergangenheit (oder Zukunft), und ihre Originalmusik ist ein integraler Bestandteil dieses immersiven Erlebnisses.

Nachdem 1927 mit „The Jazz Singer“ offiziell der Tonfilm eingeführt wurde, erweiterte das Musikgenre die Möglichkeiten dessen, was Musik erzählerisch auf der Leinwand leisten kann, noch weiter. Filme wie „Singin’ in the Rain“, „West Side Story“ und „Die Regenschirme von Cherbourg“ stellen die Musik in den Vordergrund, indem sie originale Partituren präsentieren und ihre Figuren singen und tanzen lassen.

In den 1970er Jahren führten Regisseure wie Steven Spielberg und George Lucas das Kino in die Blockbuster-Ära, die wir heute kennen, und ein Film von epischem Ausmaß braucht eine epische Filmmusik. Bis heute sind Darth Vaders „Imperial March“ aus „Star Wars“ oder Indiana Jones’ schwertschwingendes Thema für ein breites Publikum ebenso erkennbar wie Beethovens Fünfte.

Die Namen hinter den Noten: die größten Komponisten des Kinos

Für viele heutige Klassikfans ist ihr Lieblingskomponist vielleicht nicht unbedingt Bach oder Tschaikowski, sondern sie nennen stattdessen die Komponisten hinter ihren liebsten Filmmusiken. Während die Liste der Filmkomponisten endlos ist, haben einige wenige Namen die Ränge der filmischen und musikalischen Unsterblichkeit erklommen.

Als „Vater der Filmmusik“ bekannt, emigrierte der Komponist Max Steiner aus Österreich in die Vereinigten Staaten und komponierte über 300 Partituren für große Filme der Goldenen Ära, darunter „King Kong“, „Vom Winde verweht“ und „Casablanca“. Er wurde 24 Mal für den Oscar nominiert und gewann die Statue dreimal.

In den 1960er Jahren verliebte sich der italienische Filmemacher Sergio Leone so sehr in den amerikanischen Westen, dass er ein ganzes filmisches Subgenre schuf, das als Spaghetti-Western bekannt wurde. Nahaufnahmen von Clint Eastwood, der inmitten der Wüste finster blickt, sind schon genug, um Angst und Ehrfurcht bei den Zuschauern hervorzurufen, doch die Originalpartituren von Leones Landsmann Ennio Morricone steigern das Drama noch weiter. „Für eine Handvoll Dollar“ und „Spiel mir das Lied vom Tod“ sind voller unvergesslicher musikalischer Momente, aber Morricones Thema für „The Good, the Bad and the Ugly“ ist wohl sein berühmtestes geworden. Die Kombination aus Piccolo, E-Gitarrenriffs und heulendem Gesang (der den Klang von Kojoten nachahmen soll) ist heute synonym mit dem Genre.

Als es an der Zeit war, die „Herr der Ringe“-Reihe zu vertonen, wurde der kanadische Komponist Howard Shore ausgewählt, die Originalpartitur zu schreiben. Er komponierte über 50 Leitmotive, um die einzelnen Charaktere, Kulturen und Orte von Mittelerde darzustellen. Die Orchestrierung erfordert zudem ein 96-köpfiges Orchester und einen 100-köpfigen Chor, der in von J. R. R. Tolkien selbst erfundenen Sprachen singt. Für seine Arbeit gewann Shore drei Oscars, zwei Golden Globes und drei Grammys.

John Williams und Hans Zimmer: eine eigene Liga

Wenn es zwei Komponisten gibt, die die Kunst der Filmmusik definiert haben, dann sind es niemand anderes als der Amerikaner John Williams und der Deutsche Hans Zimmer.

Mit 54 Oscar-Nominierungen und fünf Auszeichnungen ist John Williams nach Walt Disney der zweithäufigst nominierte Künstler in der Geschichte der Academy Awards. In seiner über sieben Jahrzehnte währenden Karriere komponierte John Williams einige der berühmtesten Filmmusikstücke. Bekannt für seinen Einsatz von Romantik, Impressionismus und atonaler Musik, vertonte Williams einige der lukrativsten Filmreihen der Geschichte, darunter „Star Wars“, „Jurassic Park“ und „Harry Potter“. In den Worten von Regisseur Steven Spielberg: Ohne John Williams „fliegen Fahrräder nicht wirklich, ebenso wenig wie Besen bei Quidditch-Spielen … Es gibt keine Macht, Dinosaurier wandern nicht über die Erde. Wir wundern uns nicht, wir weinen nicht, wir glauben nicht.“

Bekannt für seine Zusammenarbeit mit Ridley Scott und Christopher Nolan, brachte Hans Zimmer die Filmmusik und den Blockbuster ins 21. Jahrhundert, indem er traditionelle Orchestrierungen mit elektronischer Musik kombinierte. Von historisch angehauchten Abenteuern wie „Gladiator“ oder „Fluch der Karibik“ bis hin zu modernen, nachdenklichen Epen wie „Interstellar“ oder „The Dark Knight“ tauchen Zimmers immersive Partituren den Zuschauer direkt in das Universum des Films, anstatt jedem Charakter oder Ort eine eigene musikalische Identität zu geben wie Shore oder Williams. Zimmers erster Oscar kam für Disneys „Der König der Löwen“, seinen ersten Animationsfilm. Sein zweiter folgte fast dreißig Jahre später für Denis Villeneuves „Dune“.

Szene-stehlende Symphonien: klassische Musik im Film

Manchmal müssen Regisseure nicht bei Null anfangen, um einen ikonischen musikalischen Moment zu schaffen.

Ein „Needle Drop“ ist ein Fachbegriff für die Verwendung eines bereits existierenden Musikstücks in einem Film, einer Fernsehsendung oder anderen audiovisuellen Inhalten, und viele Filmemacher haben sich von klassischen Komponisten inspirieren lassen.

Regisseur Francis Ford Coppola haucht Wagners Ring-Zyklus in seinem mit der Goldenen Palme ausgezeichneten „Apocalypse Now“ neues Leben ein. In diesem Vietnam-Epos steigen amerikanische Soldaten im Helikopter zum ikonischen Rhythmus des „Ritts der Walküren“ in die Lüfte.

Im Oscar-prämierten „Das Schweigen der Lämmer“ verkörpert Anthony Hopkins einen grausamen Serienmörder, der zugleich hoch kultiviert ist. Seine kannibalistischen Neigungen und brutalen Morde stehen im Gegensatz zu seiner sanften Art und seiner Vorliebe, Bachs Goldberg-Variationen zu summen.

„Die Klavierspielerin“ folgt einer zurückhaltenden Pianistin, die mit ihrer Mutter lebt und sich mit einer extremen Sehnsucht nach einem ihrer Schüler auseinandersetzen muss. Regisseur Michael Haneke ist ein großer Schubert-Fan, und Annie, gespielt von Isabelle Huppert, wird oft beim Üben seiner Stücke gezeigt, insbesondere des eindringlichen Klaviertrios Nr. 2 in Es-Dur.

Jüngst spielt Cate Blanchett in „Tár“ die rätselhafte Titelkomponistin, die von dem Druck einer bevorstehenden Live-Aufnahme von Gustav Mahlers Symphonie Nr. 5 verzehrt wird.

Klassische Musik im Film: das Kubrick-Repertoire

Denkt man bei Berlioz an ein Spukhotel im verschneiten Colorado? Vielleicht genügt eine einzige Note aus Richard Strauss’ berühmtestem Tondichtungswerk, um einen ins Weltall zu entführen?

Als einer der einflussreichsten Filmemacher aller Zeiten verstand Stanley Kubrick das emotionale Potenzial von Film und Musik, weshalb es nicht überrascht, dass seine Filmografie umfangreich klassische Musik enthält.

Das Eröffnungsthema von „The Shining“, gespielt während Luftaufnahmen des Protagonisten Jack Torrance auf dem Weg zu seinem Hausmeisterjob, ist eine Bearbeitung des „Dies irae“-Themas aus Hector Berlioz’ „Symphonie fantastique“. Indem Kubrick dieses unheimliche Werk einsetzt, während er eine scheinbar normale Autofahrt vor einer malerischen Bergkulisse zeigt, weist er uns auf das grausame Schicksal hin, das Jack und seiner Familie im Overlook Hotel bevorsteht.

In „Uhrwerk Orange“ verkündet der Protagonist Alex DeLarge nach einem gewalttätigen Abend, dass das Einzige, was die Nacht besser machen könnte, ein bisschen „der alte Ludwig van“ sei, und spielt eine Aufnahme von Beethovens 9. Sinfonie. Was folgt, ist eine Montage erschütternder Bilder, untermalt von den lebhaften Streichern des zweiten Satzes – eine passende Darstellung des perversen Vergnügens, das Alex am Leid anderer hat.

Kubricks berühmteste Verwendung klassischer Musik, und vielleicht das bekannteste Beispiel klassischer Musik im Film, findet sich in seinem außerweltlichen „2001: Odyssee im Weltraum“. Hätte Richard Strauss 1897 je vorhersehen können, dass „Also sprach Zarathustra“ zum inoffiziellen Soundtrack des Kosmos wird? Seit der Veröffentlichung von „2001“ ist das Werk nahezu synonym mit Kubrick, und Projekte, die im Weltraum spielen, zitieren Zarathustra oft als Hommage an den Filmemacher.

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Denn egal, ob wir im Wilden Westen oder in einer weit, weit entfernten Galaxie sind – es wird immer Musik geben.