Aaron Copland

Eine monumentale Figur der klassischen Musik des 20. Jahrhunderts, Aaron Copland (1900–1990) verbindet nahtlos europäischen Modernismus mit Volksmusiktraditionen und schafft so einen Klang, der synonym für die amerikanische musikalische Identität steht. Als Komponist, Dirigent und Lehrer trug er zweifellos viele Hüte (und alle standen ihm gut!), was ihm erlaubte, eine erkennbare musikalische Sprache zu entwickeln, die die Zuhörer von den Sitzen des Konzertsaals direkt in die weiten Räume der amerikanischen Naturlandschaften versetzt. Seine Biografie erzählt die Geschichte einer außergewöhnlichen Karriere, die den Verlauf der amerikanischen klassischen Musik veränderte.

Frühes Leben und Ausbildung

Kindheit und musikalische Entdeckung

Geboren am 14. November 1900 in eine Familie litauisch-jüdischer Einwanderer in Brooklyn, gingen Aaron Copland und die Musik schon früh Hand in Hand: Als jüngstes von fünf Kindern gab ihm seine ältere Schwester Laurine seinen ersten Klavierunterricht. Mit 13 Jahren hatte er bereits den festen Entschluss, Komponist zu werden – ein ziemlich ungewöhnlicher Wunsch für einen jungen Mann aus seinem bescheidenen sozialen Umfeld. Doch sein Durchhaltevermögen erwies sich als standhaft und führte ihn dazu, bei Rubin Goldmark, einem angesehenen Komponisten in New York, zu studieren.

Studium in New York und Paris

1921 erreichte Aaron Copland einen Wendepunkt in seiner musikalischen Ausbildung: Er reiste nach Paris und schrieb sich am American Conservatory in Fontainebleau ein. Das Schicksal wollte es, dass er dort seine zukünftige Mentorin, die renommierte Nadia Boulanger, kennenlernte. Ihre Lehren sollten für seine künstlerische Entwicklung unverzichtbar sein, wie es bei vielen Musikern unter ihrer Anleitung der Fall war. Sie ermutigte ihn, seine einzigartige kompositorische Stimme zu entwickeln, während sie gleichzeitig sicherstellte, dass er eine rigorose Ausbildung erhielt und alle Feinheiten der Komposition meisterte. Copland studierte drei Jahre bei Boulanger, doch ihr Einfluss zeigte sich während seiner gesamten Karriere und hallt in seiner Klarheit der Ideen und seinem Sinn für Struktur wider.

Seine frühen Werke

Nach seiner Rückkehr in die Vereinigten Staaten im Jahr 1924 komponierte Copland seine ersten bedeutenden Werke, beeinflusst vom europäischen Modernismus und Jazz. Zu diesen Stücken gehörte seine Symphonie für Orgel und Orchester (1924), bei deren Uraufführung niemand Geringeres als Nadia Boulanger an der Orgel saß. Das Werk war sensationell, und der Dirigent Walter Damrosch erklärte: „Wenn ein 23-jähriger Mann eine solche Symphonie schreiben kann, wird er in fünf Jahren bereit sein, einen Mord zu begehen!“ Diese kühne Bemerkung charakterisiert Coplands Musik perfekt: kühn und modern. In derselben Zeit nahm er auch die synkopierten Jazzrhythmen in Werken wie Music for the Theater (1925) und seinem Klavierkonzert (1926) auf.

Ein amerikanischer Komponist

Der Einfluss von Jazz, Volksmusik und amerikanischer Popmusik

In den 1930er Jahren wagte Aaron Copland den Schritt in ein neues musikalisches Terrain: den Modernismus. Aus Angst, dass der modernistische Musikstil das breite Publikum isolieren könnte, entschied sich Copland, einen zugänglicheren Stil zu entwickeln und wandte sich amerikanischen Musiktraditionen zu. Jazz, Volkslieder, protestantische Hymnen und populäre Melodien flossen alle in Coplands reiches musikalisches Gefüge ein, um einen Klang zu schaffen, der bei den Amerikanern einen Nerv traf (im wahrsten Sinne des Wortes). Diese Verschmelzung der europäischen klassischen Tradition und des amerikanischen Volksguts wurde zu seiner besonderen Stärke. In seinen eigenen Worten suchte er, „Musik zu komponieren, die sofort als amerikanisch erkennbar ist.“

Seine ikonischen Werke aus den 1930er und 1940er Jahren umfassen Appalachian Spring, Billy the Kid und Rodeo. Diese fruchtbare Periode erhob Copland zum weltweit anerkannten Komponisten. Billy the Kid (1938), ein Ballett, das von Lincoln Kirstein in Auftrag gegeben wurde, folgt den (Miss-)Abenteuern des berühmtesten Gesetzlosen des amerikanischen Westens, komplett mit Melodien, die an Cowboys und weite offene Landschaften erinnern. Rodeo (1942), geschaffen für die Choreografin Agnes de Mille, fängt den rebellischen Geist des ländlichen Amerikas mit seinem berühmten „Hoe-Down“ ein. Doch erst mit Appalachian Spring (1944), komponiert für Martha Graham, etablierte sich Copland als Stimme und Seele Amerikas. Das Werk, das das Leben der Pioniere in Pennsylvania mit seiner zarten und hellen Partitur heraufbeschwört, brachte ihm 1945 den Pulitzer-Preis ein. Gleichzeitig wurde seine Fanfare for the Common Man (1942), komponiert mitten im Zweiten Weltkrieg, zur Hymne der Demokratie und des einfachen Mannes, mit ihrem strahlenden Blechbläserklang und kraftvollem Schlagwerk.

Aaron Copland, Musiker und Pädagoge

Über das Komponieren hinaus engagierte sich Copland dafür, den Zugang zum amerikanischen Musikleben zu erweitern. Er organisierte Konzerte, gründete die Copland-Sessions Concerts zusammen mit Roger Sessions zur Förderung zeitgenössischer Musik und unterrichtete an verschiedenen Institutionen, darunter das Tanglewood Music Center, dessen Mitbegründer er 1940 war. Ergänzend zu seinen Beiträgen zur musikalischen Bildung waren seine öffentlichkeitswirksamen Werke. Seine bekanntesten Werke, What to Listen for in Music (1939) und Music and Imagination (1952), brachten klassische Musik in die Wohnzimmer des normalen Amerikaners. Copland war ein überzeugter Verfechter des Wissensaustauschs, sowohl als Komponist als auch als Mitglied der musikalischen Gemeinschaft, um dem Publikum zu helfen, ihre Kompositionen zu entdecken und zu schätzen.

Karriere und Anerkennung

Kompositionen für Orchester, Ballett und Filmmusik

Copland war überall präsent. In Konzertsälen heben Werke wie seine Dritte Symphonie (1946) (mit der Fanfare for the Common Man) das amerikanische symphonische Repertoire hervor. Auf der Ballettbühne revolutionierten seine Partituren das Genre in Amerika und inspirierten Generationen von Choreografen. Und Coplands vielseitige Kompositionen blieben nicht nur auf der Bühne – sie fanden auch den Weg auf die große Leinwand. Hollywood verdankt ihm bemerkenswerte Filmmusiken, darunter Of Mice and Men (1939), Our Town (1940) und The Heiress (1949), für das er sogar einen Oscar erhielt. Sein filmisches Werk beeinflusste die Ästhetik der amerikanischen Filmmusik tiefgreifend und etablierte Praktiken, die noch heute in Western und Filmen über das ländliche Amerika zu finden sind.

Auszeichnungen und Ehrungen 

Aaron Copland ritt auf der Welle des populären Erfolgs, bis er schließlich offizielle Anerkennung erhielt. Neben dem Pulitzer-Preis für Appalachian Spring erhielt Copland 1950 den Oscar für die beste Filmmusik. 1964 wurde ihm die Presidential Medal of Freedom verliehen, die höchste zivile Auszeichnung der Vereinigten Staaten. Die National Medal of Arts wurde ihm 1986 für eine unvergleichliche Karriere von über sechzig Jahren verliehen. Zudem erhielt er zahlreiche Ehrendoktorwürden und wurde Mitglied der American Academy of Arts and Letters. Diese Auszeichnungen würdigten nicht nur sein außergewöhnliches Talent, sondern auch seine Rolle bei der Etablierung einer Tradition der amerikanischen klassischen Musik.

Letzte Jahre und Vermächtnis Tod im Jahr 1990

In den letzten Jahrzehnten seines Lebens war Aaron Copland als Komponist weniger aktiv, entschied sich jedoch weiterhin, seine eigenen Werke weltweit zu dirigieren. Er erforschte weiterhin neue musikalische Sprachen wie den Serialismus, was in einigen seiner Kompositionen aus den 1950er und 1960er Jahren deutlich wird. Sein letztes Werk, Proclamation for Piano (1982), schloss einen beeindruckenden Katalog von über 100 Werken ab. Er verstarb am 2. Dezember 1990 in New York City im Alter von 90 Jahren und hinterließ ein immenses Vermächtnis. Die Nachricht von seinem Tod wurde weltweit als Verlust eines der größten Komponisten des 20. Jahrhunderts betrauert.

Populäre Musik heute, und morgen

Mehr als 30 Jahre nach Aaron Coplands Tod wird seine Musik weiterhin in Konzertsälen und darüber hinaus aufgeführt – und sie hat nichts von ihrer Wirkung auf das Publikum verloren, selbst nach all den Jahren. Appalachian Spring, Fanfare for the Common Man, Rodeo und Billy the Kid sind regelmäßig in den Programmen von Symphonieorchestern weltweit zu finden. Darüber hinaus umgeben uns seine Werke im Alltag: Sie sind bei offiziellen Zeremonien, in Werbespots, in Dokumentationen über die Vereinigten Staaten und sogar in der Popmusik zu hören. Wie erreichte er eine so anhaltende Popularität? Ein Teil der Antwort liegt in Coplands einzigartiger Fähigkeit, das Wesen des amerikanischen Geistes einzufangen, doch in Kombination mit seiner scheinbar zeitlosen Musik ist es kein Wunder, dass sie auch heute noch gespielt wird.

Aaron Copland erreichte, was er sich vorgenommen hatte: einen unverwechselbar amerikanischen musikalischen Klang zu schaffen, der mit den großen europäischen Musiktraditionen mithalten kann. Ein amerikanischer Komponist par excellence, ein großzügiger Lehrer und ein kultureller Visionär bleibt Copland eine führende Persönlichkeit der amerikanischen klassischen Musik, deren Einfluss weit über sein Heimatland hinaus spürbar ist.